# Pearl Jam - Ten

Episodio de [Punto Muerto](https://escuchario.semeescucha.es/podcast/punto-muerto-6674688).

- Publicado: 27 de octubre de 2026
- Duración: 1 h 08 min
- Temporada 6, episodio 13
- Audio: https://www.ivoox.com/pearl-jam-ten_mf_180489944_feed_1.mp3?d=1789315250
- Página: https://escuchario.semeescucha.es/podcast/punto-muerto-6674688/episodio/146977964-pearl-jam-ten

## Sobre este episodio

¡Vótame en los Premios iVoox 2026! El 27 de agosto de 1991, Epic Records publicó Ten, el primer disco de una banda de Seattle que apenas llevaba unos meses con su nombre definitivo. Nueve meses después, el álbum todavía no era un fenómeno. Luego llegó MTV, el video de “Jeremy”, una gira implacable y el clima cultural que el grunge había encendido junto a Nevermind. Lo que empezó como un disco de un grupo casi desconocido terminó siendo uno de los debuts más vendidos del rock de los noventa y, más de tres décadas después, sigue sonando en estadios, en auriculares y en listas de reproducción de gente que no había nacido cuando se grabó. Pearl Jam nació de las cenizas de Mother Love Bone. Tras la muerte de Andrew Wood, Stone Gossard y Jeff Ament siguieron tocando, sumaron al guitarrista Mike McCready y grabaron una cinta de cinco temas. Esa cinta cruzó el Pacífico hasta San Diego y cayó en manos de Eddie Vedder, entonces cantante de Bad Radio. En una semana, Vedder escribió letras para casi todo el material. En octubre de 1990 ya estaba en Seattle. El baterista Dave Krusen cerró la formación. Durante un tiempo se llamaron Mookie Blaylock, en honor al base de los New Jersey Nets; cuando Epic exigió un nombre que no fuera el de un jugador de la NBA, pasaron a ser Pearl Jam. El título del disco —Ten— es el número de camiseta de Blaylock: un guiño a ese origen casi accidental. Grabaron en el London Bridge Studio de Seattle, entre marzo y abril de 1991, con Rick Parashar como productor e ingeniero. Mezcló Tim Palmer en Ridge Farm, Inglaterra. El resultado dura cincuenta y tres minutos y once canciones, más el instrumental oculto “Master/Slave”, que abre y cierra al álbum si se pone en bucle. La voz de Vedder —grave, contenida y de pronto explosiva— se apoya en dos guitarras que deben tanto a Hendrix y al hard rock clásico. Las letras hablan de identidad rota, de instituciones que encierran a los jóvenes, de desamor, de un adolescente que se dispara frente a su clase, de un hombre que duerme sobre hormigón. No es un disco irónico. Es un disco serio, y esa seriedad es parte de su fuerza y de su rareza. - El disco no arranca de golpe. Durante unos segundos suena “Master/Slave”, un pasaje ambiental que Parashar ayudó a construir. Después entra el riff de Gossard como si alguien girara la llave del encendido. “Once” es el segundo capítulo de la trilogía que Vedder llamó “Momma-Son”: Conformadq por Alive, Once y Footsteps (esta última no está en el álbum; salió como cara B). El protagonista de “Alive”, al descubrir la verdad sobre su padre y el deseo que lo persigue, se quiebra. En “Once” ya es un asesino. La canción dura menos de cuatro minutos y funciona como declaración de principios: Ten no va a consolar; va a narrar. El riff más reconocible del disco —ese vaivén de Gossard que parece caminar cojeando— sostiene la historia de un hombre sin techo, posiblemente enfermo, que “sleeps on a pillow made of concrete” (sueña sobre una almohada de hormigón). Por supuesto, Vedder escribió la letra a partir de gente que veía en las calles. El solo de McCready, largo, bluesero y ligeramente sucio, se convirtió en uno de los grandes solos de los noventa. En vivo, “Even Flow” se estira, se rompe y se reconstruye. En el disco es un retrato: no hay solución, solo el movimiento de alguien que no puede detenerse. - Es el himno y, al mismo tiempo, la canción más malentendida del catálogo. Vedder partió de un hecho de su propia vida: de adolescente descubrió que el hombre al que llamaba papá era realmente su padrastro y que su padre biológico ya había muerto. En la ficción de la canción, la mamá busca en el hijo el fantasma del padre. El estribillo —“I’m still alive”— nació como una maldición, no como un grito de supervivencia. El público lo cantó como victoria. Vedder ha dicho que esa apropiación le quitó el veneno a la frase. El solo de McCready, construido sobre un acorde sostenido, es de los más citados de la banda. “Alive” es el corazón visible de Ten: lo personal se vuelve colectivo sin dejar de doler. - Jeff Ament escribe la música; Vedder cuenta la historia de Heather, una joven internada contra su voluntad. De hecho, en los créditos originales aparece “4 Heather”, en lugar de su nombre final “Why Go”. La canción ataca la facilidad con la que una familia puede enviar a alguien a una institución mental simplemente por no encajar. El bajo de doce cuerdas de Ament empuja; Vedder canta con rabia contenida. Es una de las piezas más directas del disco y, por eso, a menudo queda a la sombra de las tres que la rodean. No debería. - Epic presionó para editarla como sencillo. La banda se negó. Esa negativa protegió la canción. “Black” es un lamento de desamor escrito con una precisión casi visual: “All five horizons revolved around her soul / as the earth to the sun”. (Los cinco horizontes giraban alrededor de su alma, como la tierra alrededor del sol). El verso es relativamente ligero; el estribillo se abre como una herida. Vedder tuvo que pelear para que no cortaran la coda en la que canta que ella será una estrella en el cielo de otro. Es, para muchos oyentes, la mejor canción de Pearl Jam. No necesita video ni radio: necesita silencio alrededor. - El 8 de enero de 1991, Jeremy Wade Delle, de quince años, se suicidó frente a sus compañeros en un aula de Texas. Vedder leyó la noticia y escribió una de las letras más duras del rock de esa década. El narrador es un compañero que recuerda las señales ignoradas. El bajo de Ament, oscuro y circular, y el estribillo —“Jeremy spoke in class today”— convierten un hecho de crónica roja en una escena que no se olvida. El inolvidable videoclip de Mark Pellington ganó cuatro premios MTV en 1993, incluido el de Video del Año. La canción no “explica” el suicidio; lo sitúa en una red de abandono, burla y soledad. Treinta y cinco años después, sigue siendo incómodamente actual. - Después de “Jeremy”, el disco respira. “Oceans” dura dos minutos y medio, lleva el chelo de Walter Gray y una percusión improvisada —Palmer llegó a usar un extintor y un salero—. Vedder la escribió en parte porque lo habían dejado fuera del local de ensayo; esperando, pensó en el mar y en el surf. Es la canción más aireada de Ten, casi una tregua. Sin ella, el álbum sería un túnel sin ventanas. - Vedder firma música y letra. “Porch” es adrenalina: un tema corto, nervioso, pensado para el escenario. En concierto, Vedder se trepa a las vigas, se tira al público, alarga el puente hasta convertirlo en un sermón improvisado. En el disco queda como un estallido entre dos canciones más lentas, hablando de la necesidad de estar presente y de no dejar que la vida pase detrás de una puerta. - Gossard y Ament firman la música. Hay un wah-wah a lo Hendrix, un groove hipnótico y una letra que oscila entre lo político y lo íntimo: plantar un jardín, resistir, no entregarse del todo. No es un himno de protesta al uso; es más bien la imagen de alguien que se niega a desaparecer en un terreno hostil. En el conjunto del álbum “Garden” funciona como un segundo aire antes del tramo final. - Deep es la canción que menos consenso genera. Algunos la oyen como un relato de adicción o de hundimiento; otros, como una escena de calle. El riff es pesado, casi funk sucio, y Vedder canta cerca del grito. No alcanza la altura dramática de “Black” ni la claridad narrativa de “Jeremy”, pero le da al disco una textura más áspera, necesaria para que el cierre no llegue demasiado limpio. - En Release, Vedder se dirige a un padre ausente (otra vez la biografía filtrada por la ficción) y pide, sin énfasis retórico, que lo suelte o que lo reciba. La banda toca con una paciencia que no había mostrado en el resto del álbum: el tema crece, se pliega y se abre otra vez. En el compact original, a partir del minuto 5:18 reaparece “Master/Slave” y el disco se muerde la cola. “Release” no resuelve las heridas de Ten; las deja en la mesa, con la voz ya casi sin fuerza. Es un final honesto. - Ten no fue un éxito instantáneo. El sencillo “Alive” sobrevoló las listas de rock y el álbum tardó casi un año en entrar al top 10 de Billboard, alcanzando al número 2 en mayo de 1992, manteniéndolo por cuatro semanas no consecutivas; siempre con Some Gave All, de Billy Ray Cyrus como número 1, y permaneció en esa lista más de 260 semanas. En Estados Unidos, la RIAA lo certificó 13 veces platino: 13 millones de unidades y se estima que ha vendido alrededor de 30 millones en todo el mundo. Esos números importan porque desmienten la idea de que Ten fue solo un producto de su momento. El grunge pasó; éste álbum no. Parte de esa durabilidad está en la contradicción que lo define: es un álbum de rock clásico disfrazado de alternativo, un disco de estadio escrito por gente que desconfiaba del estadio, un conjunto de historias privadas que el público convirtió en himnos. Pearl Jam pasó el resto de los noventa peleando contra esa fama —rechazando Ticketmaster, no haciendo videos promocionales, grabando Vs. y Vitalogy con otra urgencia—, pero nunca pudo ni quiso borrar Ten. Escuchado hoy, el álbum tiene costuras visibles, como toda obra debut, pero nada de eso lo apaga. Al contrario, le da cierto romanticismo. Once canciones bastan para contar cómo un grupo recién formado, con un cantante llegado de otra costa y un baterista que se iría a rehabilitación apenas terminada la grabación, condensó miedo, duelo, deseo y rabia en un lenguaje que todavía se entiende. “I’m still alive” dejó de ser una maldición. El disco, treinta y cinco años después, tampoco lo es. Esto fue Ten, de Pearl Jam, en Punto Muerto. Nos despedimos con “State of Love and Trust”, otro tema de esa época, una cara B que se transformó en banda sonora de la película Singles de Cameron Crowe.

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